Hace poco, leyendo una entrevista a Muse, me llamó la atención que el periodista les preguntara sobre la posibilidad de realizar un concierto junto con una orquesta sinfónica, por aquello de que varios de sus temas maman de ella. Los jóvenes afirmaron no habérselo planteado aún, pero lo consideraron una buena idea, por lo que dejaron una gran puerta abiera que me emocionó sobremanera. Fue tanta mi ilusión que me vino a la mente el último experimento sinfónico que llegó a mis manos y que aún conservo como oro en paño en mi humilde estantería: Blue potential, la fusión tecno-sinfónica con la que Jeff Mills y la orquesta sinfónica de Montpelier deleitaron a propios y extraños en el año 2006.

Blue potential no es una pieza de coleccionista; ni siquiera se encuentra entre mis discos predilectos. Pero he de decir que si no ha sido suficientemente valorado es debido a que el listado de temas que Mills seleccionó para la grabación de aquel CD/DVD estaba compuesto -como todos esperaban- por sus míticas y repateadas producciones. La adaptación clásica de lo que has escuchado mil veces. Algo que gusta, pero no mata. Aún así, el proyecto salió adelante y gozó de buena crítica, pues no es nada común ver al genio de Detroit trabajando con efectos electrónicos a tiempo real junto a una orquesta de las de verdad. Un paso adelante tan arriesgado como innovador que le llevó a estar de nuevo en boca de todos los amantes de lo experimental y lo vanguardista. Es por ello que he visto idóneo traerles la pieza más codiciada de aquella compilación, para que comprueben cuánto puede cambiar un tema cuando le das una vuelta de tuerca con la fuerza de Sansón. Que suenen campanas, ritmos y orquesta.

Jeff Mills & Montpelier Philarmonic Orquestra - The bells

Dos años después de su última entrega (D-Sides, 2007), los bicharracos de Gorillaz vuelven a la carga. Y lo hacen con Plastic Beach, un LP que sigue la línea y la doctrina de los anteriores, pero da una vuelta de tuerca más al sonido característico de los ingleses a golpe de color y ambiente. Una sutil mezcla de hip-hop, punk, reggae, dub y ritmos caribeños arropada a base de colaboraciones estelares -Lou Reed, Snoop Dog, Mos Def, Barry Gibb o Bobby Womack- que no hacen otra cosa que elevar el resultado final hasta límites que pocos esperaban. De ese resultado se desprende la euforia desatada a raíz de la publicación del álbum y la expectación creada en su visita al Festival Internacional de Benicàssim el pasado mes de julio.

Y es que, tal y como reconoce Murdoc Niccals en una de sus surrealistas -por aquello de ser un dibu- entrevistas, la intención de la banda es la de no dejar de evolucionar, ya sea en su espíritu como en su sonido, en ocasiones mutante, en ocasiones descontrolado en apariencia. Pero nada de apariencias. Niccals asegura tenerlo todo bajo control gracias a la batuta de la expresión y la libertad. La misma que Gorillaz entrega a sus colaboradores a la hora de dar el toque final a las piezas. La misma que se toman al cerrar un trabajo tan heterogéneo como incomprensible tras la primera escucha reflexiva. Pero se acaba comprendiendo, el significado global y el alma de este proyecto que ya está bien parido a medio camino entre lo animado y lo real. No podía ser de otra manera.

Plastic Beach, el amplio repaso a una nueva aventura de este grupo de dibujos animados creados por Jamie Hewlett, con banda sonora de Damon Albarn (Blur) y su pandilla de secuaces. Un grupo musical virtual que forma parte ya del libro Guinnes de los récords al ser la banda virtual que más discos ha vendido. Curioso y cierto. Y por si fuera poco, todo fan del grupo puede visitar la misma Plastic Beach en su renovada página web, la cual el gran Murdoc Niccals -líder de la banda- ha adaptado a las visitas llegadas de todo el mundo, con minijuego incluido y aplicación para el Iphone. Para que los fans de Gorillaz puedan ver en todo momento lo que ocurre allí dentro. Y, como siempre, tema al canto.

Gorillaz - On Melancholy Hill

Lo de versionar canciones es casi tan viejo como el caminar. Unos lo hacen por homenajear o rendir tributo al compositor original de la pieza y otros lo hacen simplemente -y con descaro- para intentar meter un gol a los jovenes o a los inexpertos, aprovechándose de un tema de reconocido éxito mundial. Hay gente que ve en las versiones una renovación o una re-adaptación a los tiempos modernos de lo que pudiera considerarse anticuado. Los más clásicos, en cambio, detestan mirar más allá del enfoque original y consideran que las versiones son un triste copiar-pegar que les recuerda constantemente aquello de que “segundas partes nunca fueron buenas” o lo de que “cualquier tiempo pasado fue mejor”. Sea como sea, a lo largo de décadas, miles de canciones han sido versionadas, y si hay algo cierto es que muchos goles se han metido novatos e inexpertos. Por poner un ejemplo, muchos son los que creen que la mítica “Knockin’ on heaven’s door”, compuesta por Bob Dylan en 1973, pertenece a los Guns N’ Roses, quienes la versionaron en 1991. Algo que también ocurre con temas muy recordados, como el “The man who sold the world”, de David Bowie (1970), versionado por Nirvana en 1993. O el “Torn” con el que Natalie Imbruglia iluminó al mundo en 1997; un tema original de la banda Ednaswap (1995).

Como pueden ver, pocos son los que se lo piensan y, amparados en el tributo o la renovación, deciden componer a su manera viejos hits del pasado. Pero, ¿Cuáles son las canciones más versionadas de la historia? A día de hoy se cree que el tema más versionado es el “My way” de Frank Sinatra (1969). Un tema que viaja a través del tiempo de la mano uno de otra joya de la música: el “Yesterday” que grabaron los Beattles en 1965 para su LP Help. Se calcula que ha sido versionado en más de 3.000 ocasiones y una creencia popular afirma que a cada segundo que pasa, en algún lugar del mundo alguien está interpretando o escuchando la canción de los cuatro de Liverpool. Algo que también podría ocurrir con el “Summertime” que compuso George Gershwin en 1935 para la ópera Porgy and Bess. Según una web dedicada al tema, el tema ha sido versionado en 4.000 ocasiones. Pero ojo, porque hay un amplio listado de temas que no se quedan atrás en esto de haber vivido miles de mutaciones: el “Killing me softly with his song” de Roberta Flack, el “Stand by me” de Ben E. King, el “Mrs. Robinson” de Simon & Garfunkel, el “Unchained melody” con el que The Raighteous brothers conquistaron al mundo en la película Ghost, o el navideño “White Christmas” de Bing Crosby. Cientos de himnos para cientos de generaciones. Escojan la suya, busquen, comparen… y si encuentran una versión mejor, devórenla.

Que Jaime Urrutia es uno de los mejores musicos de la historia de nuestro país es una evidencia. Prueba de ello son el elenco de himnos que dejó al frente de Gabinete Caligari y otras tantas referencias paridas posteriormente en solitario. El homenaje que hace poco se dio en Enjoy -en el que le acompañaron artistas de la talla de Enrique Bunbury, Loquillo, Amaral, Dani Martín, Pereza, Jorge Drexler o Ariel Rot- es el botón de muestra que todo amante de la llamada “Edad de oro del pop español” debe tener en sus estantes (disponible además en formato CD o DVD).

Camino Soria, La culpa fue del Cha cha cha, Maribel, Bares que lugares, Castillos en el aire o ¡Qué barbaridad! son referencias clave para iluminar la bombilla de los despistados que al escuchar el nombre de este madrileño aún no sepan por que vía avanzamos. Pero la cosa parece no haberse quedado en Joy y Jaime se lanza de nuevo al ruedo de los discos con una nueva entrega de bonita portada y mejores temas: Lo que no está escrito (2010) nace y se desarrolla con el objetivo de engrosar la lista de éxitos de esta gran figura de nuestra musica más pura. Sobran talento y palabras para calificar al maestro y a su nuevo alumbramiento, del cual les dejamos una pequeña muestra (en colaboración con el gran Andrés Calamaro) y una suculenta entrevista radiofónica televisada en Rockola FM. Todo suyo.

Jaime Urrutia - Tratando (con Andres Calamaro)

Entrevista a Jaime Urrutia en Rockola FM

Si un día bates en una coctelera el talento de un francés, el sonido de un suizo y la magia vocal de un argentino, el resultado puede ser un chiste malo o un proyecto serio. Pero tranquilos, porque que estamos de suerte, porque el destino decició en su día juntar a estas tres almas del sound y hacer que la mezcla de sus cualidades resultara todo un éxito. Y así, a raíz de su primer single (Vuelvo al sur/El capitalismo foráneo), en el año 2000 saltaba a la fama en París Gotan Project, dando inicio así a una carrera repleta de temazos y su consecuente éxito. Su primer disco de estudio, La revanca del tango (2001) se acercó al millón de copias vendidas, demostrando que el tango es uno de esos estilos a los que les sienta de maravilla la influencia de los renovados sonidos de la electrónica más selecta. Poco después, discos como Inspiración-Espiración (2004) o Lunático (2006) comenzaron a dar forma a un project que crecía a pasos agigantados, casi al mismo ritmo que su número de seguidores.

Y, llegados al presente, los gotanianos podemos ya celebrar una nueva entrega de la banda. Gotan Project ha decidido de nuevo iluminarnos la senda del tango, del jazz y de la electrónica de sofá con Tango 3.0, el broche a una carrera veloz y ambiciosa donde se funden a la perfección el talento y las ganas de innovar. Prueba de ello son las numerosas ocasiones en que sus temas se escuchan en anuncios o películas de cine; el diploma oficial con el que poder asegurar que estamos ante los descubridores de una nueva tendencia tan delicada como cojonuda. Disfrútenlos como merecen, nosotros les dejamos aqui colgada una pequeña prueba.

Gotan Project - Rayuela

Con un nombre tan extraño como el estilo que encarnan, Delafé y las flores azules han irrumpido en el panorama nacional con tanta fuerza que aún muchos alucinan al ver ese extraño nombre en letras grandes en los carteles de los festivales de moda, clara señal de ser considerado cabeza de cartel. Este grupejo, compuesto por dos chicos y una dulce chica, surgieron de las entrañas de la ciudad condal en 2004 con un disco de nombre tambien raro: El monstruo de las ramblas; un LP que presentaba a la formación como una más en la familia del hip-hop, eso sí, con un toque extravagante y arriesgado al barajar con eficiencia dos voces, la masculina de Óscar Daniello y la femenina de Helena Miquel con un estilo talentoso que hacía que el conjunto sonara raro pero a la vez pegadizo. Poco después editaron La luz del mañana (2007), disco que sirvió de puente para la tercera entrega, la que hoy les presentamos: Las trompetas de la muerte, la prueba evidente de la evolución que ha llevado a estos jóvenes a labrarse un estilo propio en el que el rap ya sólo marca el ritmo de la voz. Hoy son soul, pop y una electrónica que el tercero de los integrantes (Marc Barrachina) eleva a un nivel que pocos magos del rap nacional han alcanzado.

Frescura, talento, ritmo y toques de dulzura hacen de Delafé y las flores azules un grupo con presente -su tema “Mar el poder del mar” protagonizó una de las últimas campañas de El Corte Inglés- y con futuro, pues “Espíritu Santo” rompe ya moldes por doquier y se presenta como uno de los hits para los próximos meses. Sea como sea, estamos ante un buen descubrimiento y una gran opción para desconectar de la rutina sonora del día a día e innovar con tu CD en el coche de camino a la playa, ¿que no?.

Delafe y las flores azules - Espíritu Santo

Desde el corazón Manchester emerge un grupo inusual. Y no lo digo únicamente por que su sonido se clave con frescura en el panorama electrónico-popero que tan falto está de talento. Delphic expande sus fronteras en la red, pasa de la censura y permite incluso que sus videoclips sean visionados en alta calidad a través de plataformas como Youtube, donde disponen de canal propio. Estos tres jóvenes ingleses decidieron, tras varias aventuras ’singlenianas’ encerrarse en un piso y vivir juntos no sólo la odisea de cerrar un LP, sinó también el día a día de la convivencia y el desorden. Y dio fruto… ¡Vaya si lo dio! Este Acolyte -disco debut- marca un antes y un después en la cara de la electrónica inglesa en su camino por derrumbar muros y abrir fronteras.

Delphic - Acolyte

Y ante un grupo tan talentoso y osado, se han vertido críticas de todos los colores. Unas asegurando que Acolyte es un disco demasiado cañero para formar parte de la escena pop de radio y manta; otras, aseveran con rotundidad que es un disco muy light para ser enmarcado en la familia del techno de toda la vida. Mi humilde opinión es bien diferente: Acolyte -como a los Delphic en su concepción- no debemos ni encasillarlos ni marcarles una pauta. El disco es tan variado y arriesgado que bien merece varias escuchas y la rendción ante la evidencia de que en sus entrañas ni manda patrón ni obedece marinero. Su estilo es propio y lo irán demostrando. Se dieron cuenta en Konami y me he dado cuenta hasta yo.

Se ha estrenado en la red el documental del concierto benéfico en homenaje a las víctimas del 11-S que el rapero Jay-Z dio en el El Madison Square Garden de New York. El documental NY-Z, dirigido por Danny Clinch y patrocinado por Absolut Vodka, puede verse tanto en Facebook (www.facebook.com/ABSOLUT) como en el omnipresente Youtube. Nosotros, como somos gente maja, hemos optado por tomarlo prestado y traerselo hasta aquí con todas sus entrevistas, previas, reflexiones e imágenes. Para que lo disfruten en su totalidad.

Hace ya demasiados meses que tengo pendiente hablarles de uno de los grupos que más me han sorprendido en los últimos años. De hecho, hace ya tanto tiempo, que el disco del que les voy hablar fue nombrado por varios medios disco del año en 2008. Un detalle importante si tenemos en cuenta el elevado porcentaje de freaks caprichosos que conviven en la familia de críticos que cada año se encarga de elegir a los mejores. Así que, tras pedirles perdón por el retraso, procedo a saldar mi deuda con ustedes. Los susodichos se llaman Fleet Foxes y son un grupo de esos que quedaría de maravilla subido a uno de los escenarios de los festivales hippies de los años 60. Aquella contracultura y aquel enarbolamiento de la paz que llevo al estrellato a lo que hoy conocemos como Flower Power, y que en su día movió por todo el mundo a millones de jóvenes con unos ideales basados en la revolución sexual y el amor libre, mostrando tanto o más aprecio por la marihuana y los vestidos de colores. Pues bien, si el movimiento gozara aún hoy de la misma salud que entonces, el grupo cabeza de cartel del hipotético festival de ensueño para propios y fumados de la movida guerrillera sería sin duda Fleet Foxes.

Los cánticos, las melodías, la armonía, el encanto y el espíritu que transmiten estos jóvenes de Seattle (Washington, EUA), les ha llevado en poco más de tres años a consagrarse como la nueva hornada de músicos peludos que, a pesar de catalogar su música como Indie folk, jamás lograrán arrancarse del jersey de lana la etiqueta de “Grupo Flower Power”. Y se lo han ganado. ¡Vaya si se lo han ganado! Su música es buena, gusta a todo el que la cata; prueba de ello son los numerosos premios recibidos y el aluvión de alabanzas que se les dedicaron a la par que llenaban su agenda de viajes y conciertos. Nacidos de la semilla que en ellos pusieron tipos como Neil Young o el gran Bob Dylan, los de Seattle han sabido administrar talento y fama hasta el punto de crear “el fenómeno Fleet Foxes”. Y no viven con lo justo, ni viajan en furgonetas pintadas de colores… es posible incluso que ni siquiera fumen. Pero lo cierto es que parecen ser la reencarnación lujosa de un espíritu que de vez en cuando conviene recordar, más aún con discos completos y buenos como este Fleet Foxes que bautiza al grupo. A gozar.

Fleet Foxes - White Winter Himnal

Hace días que ando detrás del término que mejor defina a los dos tipos que se esconden tras el proyecto Fuck Buttons, y no hay manera. Escuchando su música, muchos podrían decir que son una versión digital de los Pink Floyd o incluso aseverar que se trata de los hijos Ni-Ni de tipos como Vangelis o Jean Michael Jarre. Sea como sea, el segundo disco de los ‘Fuck’ ha irrumpido en la escena musical con más fuerza aún que su álbum debut (Street Horrrses, 2008). Andrew Hung y Benjamin John Power, los dos componentes del grupo, han cautivado a las masas al ser capaces de mezclar a la perfección ítems de la música de toda la vida con las porciones más ruidosas de lo electrónico. Una idea que acostumbran a aderezar con un toque medido de melodía y con los sonidos espaciales que hacen del conjunto algo tan extravagante como mágico.

Y así surge Tarot Sport, un disco del cual sus autores hablan maravillas, colocándolo varios escalones por delante del primero en cuanto a trabajo, calidad de sonido y organización. Porque, como ellos mismos reconocen, los inicios del duo fueron tan caóticos acústicamente, que poco esperaban del futuro. No obstante, sus directos derrochaban calidad, algo que un buen día supo ver Barry Hogan, uno de los directores de ATP, y que le llevo a intentar darles un empujoncito. Y funciono, vaya si funcionó. Tarot Sport se erije como un disco sensible en el que podemos distinguir a la perfección todos los matices sonoros y con el que podemos disfrutar saboreando cada una de las capas y efectos creados, esta vez sí, con algo más de orden. La era expermiental que cada día cuenta con más adeptos tiene mucho que agradecer al bueno de Hogan, así como a unos Fuck Buttons que, peldaño a peldaño, suben con firmeza hacia la azotea de los mejores. Ya forman parte del cartel de varios festivales de vanguardia (entre ellos el Sónar) y prometen no sólo mejorar, sino convertirse en la referencia experimental de los próximos años. ¿Lo conseguirán? Yo creo que sí, y para que vayan abriendo boca, les dejo Olympians, toda una joya.

Fuck Buttons - Olympians

Nacho Vegas es uno de esos artistas extraños que, a pesar de su condición, tienen algo que los hace peculiares y atractivos en el ámbito musical. Sus letras son sinceras, duras, directas… Ese tipo de letras que teletransportan al oyente a un mundo cruel y tenebroso. Unas letras que pueden presumir en todo momento de estar siempre acompañadas por un sonido tan variado que si no fuera por la inimitable voz del melenudo de Gijón, cada vez que escucháramos uno de sus temas, apuntaríamos en una dirección diferente, errando cuan torpes novatos del Planeta Música. Su último disco, El Manifiesto desastre, dio mucho que hablar entre sus fieles seguidores debido a ser un álbum un tanto diferente a lo que el artista acostumbraba a componer. Y es que eso de tocar varios palos en un mismo disco suele ser bien recibido, pero parece ser ésa una característica que los ‘Nachoveguistas’ no contemplaban entre las numerosas que se le atribuyen al compositor.

Ha pasado poco más de un año desde la publicación de su último LP, y ese corto espacio de tiempo no ha fernado a Vegas. El maestro vuelve a la carga con un disco de sólo cuatro canciones. Algo que nos recuerda al aficionado a las videoconsolas que guarda su partida cada pocos minutos de juego temiendo que el jefe de pantalla de turno le ponga mirando para Alicante destrozándole a disparos. Este pequeño detalle no resulta extraño por el simple hecho de cerrar un álbum con una intro y sólo cuatro canciones, pues Nacho ya hizo cosas similares antaño editando discos cuyas canciones podían ser contadas con los dedos de una mano. Lo que asombra y asusta es que la última canción (la que les dejamos para que disfruten) contiene un mensaje póstumo que a muchos ha helado ya la sangre. Que Nacho vuelva siempre es una gran noticia, pero que lo haga gota a gota y con mensajes tétricos es como para tirarle de las orejas por travieso y agorero… Que no está el horno para bollos. Por lo demás, destacar que estamos ante un muy buen disco… Disquito.

Nacho Vegas - (al final) Te estaré esperando

Alejados en forma, aunque no en colorido, de la familia Pokemon a la que su nombre artístico evoca, Micachu & The Shapes, grupo formado por Mica Levi y sus acompañantes, Marc Pell y Raisa Khan, llevan meses rompiendo moldes en el panorama pop-electrónico de la factoría londinense de la que últimamente tanto crack salta al estrellato. Aún así, este joven grupo no es uno más en la basta lista de grupos indi-pop que día a día saturan los bafles de nuestras más oscuras discotecas y los escenarios de nuestros festivales má cool. Micachu & The Shapes ha sabido mezclar con buena nota sus estudios clásicos con sus más que arriesgados gustos electrónicos. Y no es de extrañar que, por ese motivo, ya se hayan acercado a ellos productoes de renombre en esto de la música abstracta, como Matthew Herbert, quien finalmente se encargó de producir su reciente disco Jewellery (2009). Un disco de temas bastante cortos en los que predomina una guitarra electrónicamente trucada y la compañía de sonidos tan abstractos como curiosos. Una mezcla extravagante que, lejos de catalogar al grupo dentro de la familia de los locos de atar, ha llevado a los Micachu a lo más alto de las listas londinenses durante gran parte de 2009. Lo que en su día comenzó como una aventura DJ (Filthy Friends, mixtape de 59 minutos aún disponible en su Myspace) ha finalizado en un proyecto musical con tanta personalidad que ha acabado por cautivar a artistas como Björk, quien ya se encuentra entre sus incondicionales fans. Una proeza innovadora a caballo entre la electrónica y el garage, abanderada por temas como Lips o este Golden Phone que aquí les dejamos en forma de videoclip como sello de la banda. Ustedes dirán.

Micachu & The Shapes - Golden phone

Que levante la mano el que no haya oído hablar de Mark Knopfler, el que no haya escuchado alguno de sus legendarios guitarreos o el que no haya bailado alocadamente fingiendo tocar la guitarra al son de temas como Money for nothing o Sultans of swing. Bien, pues como observamos que todos mantienen los brazos pegados al cuerpo cuan defensa del Barça dentro del area, vamos a analizar todos juntos esta sexta entrega en solitario del tipo que en su día puso voz y notas a los míticos Dire Straits.

Get Lucky es el sexto disco de estudio de Knopfler en una carrera en solitario que inició con Golden Heart (1996) y que le ha llevado a mantener amarrados a su pata a millones de incondicionales fans. Y es cierto que el bueno de Mark comparece ya en el escenario sentado en una silla; es cierto que sus dedos no son los que eran a la hora de rascar su archiconocida guitarra, y es cierto que pasó de lucir melena y parecerse a Rambo a peinar bien poco pelo y parecerse a Johan Cruyff pasado de kilos. Aún así, Knopfler no deja de componer esa clase de himnos que parten de músicas ambientales y finalizan en grandes obras de guitarra. Y todo con el objetivo de hacer que no paremos de añadir joyas al carrito de clásicos que todos sus amantes guardamos a buen recaudo.

Esta vez no ha sido menos: Get Lucky es para muchos el segundo gran disco de Mark Knopfler en solitario despues del alabado Sailing to Philadelphia (2000). Y no es de extrañar, pues a piezas que alternan el blues y el folk se le unen composiciones ambientales e instrumentales muy cercanas a los grandes clásicos de las bandas sonoras que en su día compuso (Local Hero y La princesa prometida, entre otras). El resultado es de escándalo: once temas de diferente corte y una única firma, la del Mark Knopfler que vuelve a las raices de su Escocia natal para sacar de ella notas y registros. El “mapa de toda una vida” que tanto él como nosotros necesitábamos. Un disco completito que hace que los ‘knoplferianos’ duerman durante estos días con una amplia sonrisa en el rostro. Una buena muestra aquí les dejamos. Para que gocen sus oídos mientras llega el verano y la gira que le traerá, como de costumbre, a nuestro país.

Mark Knopfler - Border Reiver

Mark Knopfler - Piper to the end

Seguro que todos recuerdan que la buena de Amy Winehouse lleva tiempo recluida en Isla Cristina tratando de alejarse de esas múltiples historietas que todos conocemos. Lo que seguro que no sabían es que la madre del Rehab se ha gastado cerca de 10 millones de euros en dicha aventura isleña. La artista, que facturó con sus dos primeros discos la friolera de 11 millones de euros, ha encogido su cuenta en poco más de un año hasta dejarla en un pírrico millón de euros. Mucha pasta, cierto; pero poco en comparación a lo que tuvo antaño y demasiado a la hora de planificar en qué gastarlo durante unas cuantas noches de locura.

Está claro que la buena de Amy lo tiene claro y que no escatima en gastos. El hecho de gastarse 10 millones de euros en farras ha llevado a las autoridades a ordenar que sean sus padres quien a partir de ahora gestionen la economía de la niña… y es que se calcula que con la edición del disco que esperamos publique en breve, Winehouse se embolsará otra buena cantidad de euros. Así que, por el bien de la música, crucemos los dedos y recemos para que la niña no sepa nunca los PINs de las tarjetas de papá. Y que sepan que he escogido una foto donde Amy sale mona porque odio el ’salsarosismo’ de sacarla desaliñada… ¡Vale ya!

Tres añitos han hecho falta para que los genios de Muse se hayan animado de nuevo a encerrarse en el estudio a grabar una nueva colección de maravillas, pero creannos cuando les decimos que la espera ha valido la pena. Los ingleses no sólo han vuelto a diseñar un disco completo sinó que han llegado a sorprender a sus más experimentados seguidores con un LP magistral que mezcla lo propio con lo más extraño. Una calculada composición de sonidos y sinfonías en la que lo clásico se entrelaza con lo eléctrico hasta el punto de sumergir al oyente en una de esas atmósferas que sólo estos tres jóvenes ingleses pueden crear. Un discazo con el que Muse llega a la madurez como pocos grupos lo han hecho antes. Y no exageramos, estamos ante uno de los discos más originales y completos de lo que llevamos de siglo.

Y es que Black holes and revelations (2006) ya dejó constancia de lo que este trío podía llegar a hacer con un poco de tiempo y una buena dosis de ese talento que les sobra a tan pronta edad. Y el tiempo les ha dado la razón: The Resistance es un nuevo puñado de obras maestras que hacen que Muse suba un escalón en su particular carrera de experimentos musicales con temas que van de lo experimental a lo barroco, pasando por la electrónica más selecta o el rock de toda la vida. Un disco que concluye con una sinfonía clásica de tres movimientos digna de los oídos más calmados. Un volantazo sonoro tan esperado como alabado que pone sobre las espaldas de decenas de grupos mediáticos una losa tan pesada como alguna de sus sobrevaloradas canciones. Matthew Bellamy, Dominic Howard y Christopher Wolstenholme demuestran con este lanzamiento no sólo una constante evolución sinó también una gran firmeza al frente de la lista de los grupos musicales que se pueden escuchar a día de hoy, amén de ser una de las bandas con el mejor directo del panorama internacional. Una trayectoria que les ha llevado a ser escogidos por U2 para ejercer de teloneros en la gira americana de los irlandeses. Una noticia que nos ha llamado la atención al ver a Muse, un grupo que ha llenado el estadio de Wembley en más de una ocasión, desempeñando labores teloneras y haciendolo, además, a merced de un grupo a nuestro parecer inferior. Pero ya sabemos todos como es el mercado americano y lo injusto que es el fútbol. Aún así, ajenos a las injusticias, les recomendamos degustar esta monumental ida de olla tan inédita como saludable para el tímpano aventurero. Disfruten de estos temitas que les dejamos como herencia y recuerdo… y nos vemos en el concierto.

Muse - Uprising

Muse - Resistance

Muse - Exogenesis symphony part 1 (overture)

En nuestro afán por hacerles llegar lo mejor del sonido vanguardista e innovador, vamos a presentarles a una de las joyas del género ambiental: se trata de Reimir Eising, más conocido en la escena mundial como Kettel. Este joven productor holandés, nacido en Groningen, dio un machetazo hace años en la escena IDM (Intelligence Dance Music) con sonidos poco comunes, más cercanos a los bosques de hadas que a las pistas de baile o al chiringuito chilloutista de cada verano. A raíz de su primera creación, Dreim (2001) Kettel se ganó el corazón de los amantes de subir al cielo mientras escuchan música. Una escalada que le ha llevado a editar varios discos, entre los que destacan Smiling little cow (2002), My dogan (2006), Wisper me wishes (2007) o el recién editado Myam James pt. 1, LP con el que ha vuelto a demostrar que los sonidos fantasiosos, aparte de proporcinonarle fama y éxito, son su pan de cada día. Su modus vivendi.

Nosotros, como siempre, atentos y conscientes de que las palabras al hablar de música no son nada sin un mínimo acompañamiento acústico, les hemos editado un micromix que incluye un par de temas jugosos para que degusten con mimo el estilo y el ambiente del gran Kettel. Disfruten y naveguen entre sus mejores fantasías coloridas.

Audio: Kettel - Pinch of peer / Shinusob

Los 40 principales cumplen 40 años. La emisora de radio de referencia dentro del panorama musical del país llega a su cuarta década habiendo marcado la vida de millones de oyentes a base de sonido, listas y noticias. 40 largos años que nos han dejado conciertos, festivales, miles de horas de radio, millones de temas y nada más y nada menos que 2.200 números uno. Para conmemorar tan señalada fecha, la emisora nacional está cociendo en los teatros un musical con el que se pretende compartir la celebración con todo su público. Un montón de funciones con las que conmemorar un año tan señalado como romántico y nostálgico, porque… ¿quién no ha llenado alguna vez un cassette con temas de Los 40? ¿Quién no ha odiado al locutor de turno cuando nos fastidiaba la grabación pisando el tema con su voz antes de que terminara?

Recuerdos, sonido, lágrimas, recuerdo… Un sinfín de pretextos con los que intentar seleccionar las canciones más representativas de entre todas las que han sonado a lo largo de la historia de la emisora. Y de momento hay pocas pistas; únicamente sabemos que a los aspirantes que se presentaron a los castings les hacían cantar temas como Cuando nadie me ve (Alejandro Sanz) y Libre (Nino Bravo), a los chicos; y I will always love you (Withney Houston) y Sin ti no soy nada (Amaral), a las chicas. Por cierto, ¿saben ustedes cual fue el primer número uno de Los 40 principales? Pues ni más ni menos que el Monday monday de los míticos The Mamas & The Papas.

El panorama musical internacional está de enhorabuena. Les traemos uno de esos discos que no sólo recordarán por su gancho y por la heterogénea mezcla de géneros que destila. Imelda May, a quien podríamos prebautizar como La Winehouse que se cuida, nos presenta en su disco debut un power inusitado y una arriesgada forma de concebir e interpretar todo lo que toca. A caballo entre el rockabilly de los bares de carretera y el soul que es capaz de combinar a la vez toques de jazz y swing, esta irlandesa se ha hecho rapidamente con un hueco en las estanterias de miles de fans del estilo que en su día capitaneó Wanda Jackson.

Love Tatoo es un disco potente con el que May puede presumir de resultados, de insistencia y del duro trabajo que se esconde detrás de un producto musical forjado durante años a base de cálculo y aprendizaje. Y es que una carrera que mezcla en sus inicios el talento, el sudor, la garra, la insistencia y miles de actuaciones de bar en bar allá en su país de origen debe acabar más o menos así: con reconocimiento y halagos. Imelda May: una pequeña joya que casi acaba de nacer. Y, para acompañar el alumbramiento, he aquí el regalo nuestro de cada día.

Imelda May - Big bad handsome man

Imelda May - Watcha gonna do

¿Qué sería del panorama musical ibicenco sin la presencia de los chicos de Cocoon? Sin duda, los que no conozcan las aventuras de Sven Vath y sus secuaces no sabrán la respuesta, pero los que se hayan paseado algún día por la noche de la Isla Blanca, sin duda sabrán que estamos hablando del club alemán, propiedad del DJ Sven alemán, que lleva ejerciendo la residencia de los lunes veraniegos en el club Amnesia (Ibiza) desde hace ya 10 años. Y es que la filosofía que Sven Vath y el ejército que encabezan hombres como Richie Hawtin, Marco Carola o Ricardo Villalobos ha marcado a fuego durante la última década a Ibiza y su noche con lo mejor del techno y el house que se compone por el universo.

Fiestas eternas en noches interminables ha sido el paradigma con el que este clan de DJs han hecho historia tanto en Ibiza como en el club que más halagos ha recibido en los últimos tiempos. Como prueba de este sello y de su influencia en la música de vanguardia que ha guiado a la noche de Ibiza, los años nos han ido dejando las particulares recopilaciones diarias y nocturnas que los miembros de la hermandad nos han editado en formato CD: desde The sound of the first season del año 2000 hasta la ’ninth season’ de antaño. Este verano, la residencia alemana en tierras ibicencas llega a su décima temporada… y es algo que conviene celebrar con un disco, con un vídeo y con otra hornada de fiestas calentitas e inolvidables: el décimo año de Coocon en Ibiza. ¿Alguien se apunta? (more…)

Tras casi cuatro años de paz en los estudios (mas no en los escenarios), Los Delinqüentes vuelven a plasmar garrapatas sobre la superficie de un disco. Vuelve el verde rebelde y desenfrenado, vuelven los claveles, vuelve la tacarnina y vuelve, como no, el Niño Lombriz. Marcos Del Ojo y Diego Pozo (más conocidos como Canijo y Ratón) sorprenden a propios y extraños con un disco diferente que, a pesar del regate, ha logardo enganchar a otra orda más de garrapateros. Y es que Bienvenidos a la época iconoclasta supone un pequeño desvío acústico en las costumbres de estos jerezanos de cultura rumbera y ritmos flamencos. Las 13 canciones (y media) del nuevo LP contienen toques variopintos que van del eléctico del rock and roll al reggae campestre de firma flamenca. Un arsenal de vaibenes musicales en el que, a pesar del cambio, sigue dominando el toque rumbero y peleón que ha caracterizado al grupo desde el primer día.

En este nuevo lanzamiento, Los Delinqüentes cuentan de nuevo con la ayuda de un buen puñado de amigos: Leiva, del grupo Pereza, José Soto ”Sorderita”, o la alabada Julieta Venegas acompañan a los rumberos en una travesía sonora que, según Del Pozo, es un homenaje a los tiempos pasados, cuando travesuras y ocurrencias dieron nombre al que hoy supone un grupo de referencia en la escena rumbera del país. Y buena muestra de ello con los más de 100 conciertos que el grupo afronta anualmente; un ritmo que el grupo piensa seguir, ayudado de la energía que les proporciona el arte de subirse a un escenario. Para ellos, toda una fiesta. Les dejamos, para que disfruten, tres joyitas del disco: la rumba Cicatrizando, el tema elemental que comparten con Julieta Venegas y El jardín, un sentido homenaje onírico al que fue alma y voz del grupo hasta 2004, Miguel Benítez, ‘El Migué’.

Los Delinqüentes - Cicatrizando

Los Delinqüentes - ¿Quién es más poderoso, el aire o el fuego? (con Julieta Venegas)

Los Delinqüentes - El jardín

¡Atención! A partir de ahora la música elaborada ya no será sólo cosa de adultos: llega la cantera del Baby-sound. Basta de melodías flauteras de bazar entre las que se duerme el más pintado rodeado títeres de todos los colores y mimos que retuercen globos. Desde hace algo más de tres años, el colectivo barcelonés Minimúsica ha logrado, con trabajo e imaginación, que papás y pequeñajos disfruten juntos de la (buena) música. ¿Y cómo lo han conseguido? Pues demostrando a las grandes compañías que, con sus principios e iniciativas, son capaces de llenar de familias enteras los locales donde se plantan con sus bafles con el objetivo de escuchar música en familia.

Los chicos de Minimúsica comenzaron su voraz y atrevida andadura recorriendo colegios y enseñando a los peques lo que es el pop. A partir de ahí, todo vino rodado: festivales y entes musicales como Primavera Sound o el mismísimo Sónar se fijaron en el estilo argumental del colectivo de la ciudad condal y decidieron subirse al carro. Así, todos ellos cuentan ya entre sus line-ups con programación musical para los menudos. El Primavera Sound ha programado este año dos minifestivales para los chavales, en el Parc de Joan Miró y en el recinto del Fórum. Las actuaciones correrán a cargo de grupos como Manos de Topo, Telefunken y Herman Düne, entre otros. Formaciones a las que se les ha pedido, no sólo que presenten su música, sino que involucren en las actuaciones a los niños, haciéndoles partícipes con juegos o bailes. El Sónar, por su parte, ha decidido también habilitar la Plaza Joan Coromines para levantar el Sónarkids, festival en el que (ojo al dato) Miqui Puig, Mala Rodríguez o el gran Laurent Garnier harán también actuaciones especiales y adaptadas. Y eso no es todo: El Auditori Educa lleva también meses recibiendo a familias enteras en los conciertos temáticos que programa, así como El Petit Liceu, que hace lo propio con los pequeños aficionados a la ópera. Tal y como asegura la responsable de Minimúsica, Nuria Muntaner, «hemos de empezar a crear la cultura de que los padres lleven a sus hijos a conciertos, como ocurre en lospaíses anglosajones». Amén.

Si les hablamos de un tal Michael Cretu, quizás todos se rasquen la cabeza mirando al techo sin saber de quién o de qué demonios les hablamos. Si les mencionamos, en cambio, a Enigma, seguro que no sólo les queda todo más claro, sino que recuperan en sus mentes varias melodías míticas del pasado menos reciente. Y es que poco se ha hablado a lo largo de años de éxito del responsable de un proyecto que se inicó en 1990 y que ha llevado a Enigma no sólo a lo más alto de todas las listas, sinó también a la cima de la música de relajación. El rumano, afincado en Ibiza, presentó hace unos meses Seven lifes many faces, su séptimo disco de estudio. Una nueva dosis de sonido experimental y omnicultural que a nadie deja indiferente.

Para muchos, Michael Cretu es el padre del Chill Out. El creador de esa música que, nutrida de samplers exóticos y atmósferas relajantes, teletransporta a sus cómplices a lugares bellos y lejanos donde ovidar humos y rutinas. Para otros, en cambio, Cretu es uno más en la familia de poductores que, repitiendo fórmulas monotemáticas, aburren al primer cuarto de hora. Y es bien cierto que el mundo de la música electrónica de relajación ha sido atacado y manchado durante años a golpe de talonario por un sinfín de discográficas que han saturado el mercado a base de cagadas en cadena. Editar un disco como gallina que pone un huevo ha sido el modus operandi más común en la música pop de referencia playera; más aún cuando los instrumentos pueden concentrarse en una maquinita electrónica y la elegante etiqueta del Chill Out te ampara y te protege. Por fortuna, Enigma ha sabido desmarcarse desde el primer minuto de esa montaña de guano que altera más que relaja, siguiendo con la línea que un día le permitió brindar al mundo la primera de estas siete vidas. Esta nueva entrega consta de 12 temas (y un bonus CD) entre los que cabe destacar la dulzura de Deja vú y la incursión que Michael realiza en la música tradicioal ibicenca de la mano de Margalida Roig en Between generations. Un experimento curioso que el productor repite en La puerta del cielo. He aquí los resultados.

Enigma - Deja vú

Enigma - Between generations

Si hay algo que los amantes de la música tenemos claro es que una de los remedio más fiables a la hora de combatir la depresión y la tristeza es escuchar un disco de Rosana. La cantautora canaria presenta su sexto disco, A las buenas y a las malas, con la carga de optimismo, vitalidad y sensibilidad que caracteriza a todos sus trabajos. Mucho ha llovido ya desde que Rosana sorprendiera a popios y extraños con aquel Lunas rotas (1996) que la catapultó al éxito que ni siquiera ella esperaba. Desde entonces, cinco buenos discos y un gran recopilatorio han afianzado una de la carreras más potentes y serias de la música española. Un currículum musical refrendado con millones de discos vendidos en todo el planeta.

A las buenas y a las malas viene cargado de los sonidos guitarreros que Rosana presentó en Magia (2005), su último disco. Y esta continuidad marchosa es de agradecer, pues hay que reconocer que este renovado ritmo se hace irresistible a la hora de escoger los temas con los que a uno le gusta amanecer o despertar de camino al trabajo. Aunque pueda sonar repetitivo en la forma y en el contenido, no cabe duda de que la cantautora de Arrecife ha vuelto a renovar la ilusión de aquellos que esperan año tras año una nueva entrega de la rosanina que feliz les mantiene. Nosotros, de regalo, les dejamos aquí tres muestras de la marcha y la alegría que sellan este sonriente disco. Disfruten y bailen; sabemos que lo harán.

Rosana - Hago saber

Rosana - Con viento a favor

Rosana - Tú eres mi suerte

Si nos paramos a hablar de producto nacional en la escena musical, no hemos de olvidarnos del hombre que para muchos ha sido el productor del año en la electrónica made in spain. Nacido en Girona, Dosem salió a la luz de las cabinas y las pistas de baile con un curriculum musical practicamente inexistente, pero con más fiesta en las venas que la que se puede correr Pocholo en dos vidas. La experiencia acústica que le ha dado la noche de techno, ha hecho de este joven de apenas 20 años uno de los diamantes en bruto más cotizados del último año aquí y allá, a pesar de no haber dado en la vida ni una sola clase de composición. Aún así, como decimos, Dosem se coloca delante de un ordenador y genera temas como churros.

A medio camino entre el techno melódico de tipos como Alexander Kowalski y las atmósferas de mitos de la talla de Jean Michel Jarre, Dosem dio un fuerte puñetazo sobre la mesa de las productoras con Beach kisses, el primer pelotazo que hizo que todos en la escena electrónica supieran de él antes incluso de lo que le tocaba. A partir de ahí todo fue coser y cantar. Hit tras hit, este joven al que sus fans llaman Diosem ha ido labrando su propio camino hasta verse obligado a cruzar fronteras y charcos. Y bien que se lo merece. Les dejamos, para que disfruten, la joyita de marras. Si les gusta, les hacemos saber que el bueno de Marc ha colgado en su web uno de sus Lives; concretamente el que sirvió en bandeja a los incondicionales del Nitsa, el pasado 12 de septiembre de 2008.

Dosem - Beach kisses

Hace unos meses se celebró el aniversario del nacimiento del grupo Sash!, proyecto musical que suena a poca gente por el nombre pero que seguro que no deja indiferente a nadie con su ritmo a medida que se van escuchando temas y melodías. Y es que el grupo, integrado por Sascha Lappessen y Ralf Kappmeier (con la ayuda técnica de Thomas Lüdke y la voz de Tina Cousins) ha hecho bailar a todo el planeta durante más de una década con éxitos nacidos a caballo entre el trance y el dance. Ritmos, melodías y voces que todos conocemos pero que pocos somos capaces de asociar al mismo proyecto. Misterious times, Pray, La Primavera, Stay, Ecuador, Movemania, Adelante o With my own eyes son algunos de los temas que el talento musical de Sash! ha logrado llevar a lo más alto de las listas comerciales de medio planeta. Un modus operandi que hace que poca gente en el mundo haya podido esquivar los ritmos de Sascha y Ralf.

Sash! conmemoró hace poco su décimo aniversario con un disco recopilatorio que incluye, como era de esperar, grandes éxitos y alguna que otra incorporación a modo de remix extraño. Una joya de coleccionista más encaminada a recordar viejos tiempos que a escuchar con atención. Aún así, vale la pena. Les dejamos enlaces a youtube para que más de uno llore echando la vista atrás. Prueben y verán.